El Coliseum de A Coruña volvió a convertirse el pasado viernes 6 de noviembre en punto de encuentro para miles de seguidores de Vetusta Morla. Dos años después de su última visita a la ciudad la banda madrileña regresaba a Galicia con energías renovadas, nuevas canciones y una propuesta que va mucho más allá de recuperar los escenarios. La primera de las dos noches consecutivas programadas en el recinto coruñés, dentro de su «Gira de vuelta: Canciones de ida», suponía también la oportunidad de comprobar hasta dónde puede llegar una formación que, después de un periodo de descanso, parece haber encontrado nuevos motivos para seguir haciendo camino.
Había ganas de volver a encontrarse. Lo demostraban las aproximadamente 8.000 personas que llenaron el Coliseum el viernes y la respuesta que había acompañado la convocatoria de estas dos fechas, con una segunda jornada programada para el sábado 7 con el Coliseum también lleno. No era la primera vez que Vetusta Morla necesitaba duplicar su presencia en A Coruña para atender la demanda de sus seguidores. La relación entre la banda y la ciudad viene de lejos y ha ido creciendo con cada visita, desde sus primeros pasos por Galicia hasta aquellos conciertos en el Coliseum de 2014, 2018 y 2020, pasando por su inolvidable encuentro con más de 50.000 personas en Riazor. Una conexión que también tiene su particular vínculo blanquiazul a través de Guille Galván, que nunca ha escondido su simpatía por el Deportivo y su relación con la ciudad.
Pero esta vez el reencuentro tenía un significado diferente. Vetusta Morla no llegaba con un nuevo disco bajo el brazo ni con una gira construida alrededor de un repertorio recién publicado. Llegaba presentando canciones que todavía están buscando su lugar, que aún no han tenido la oportunidad de instalarse en la memoria colectiva y que, en algunos casos, ni siquiera habían sido escuchadas por el público antes de comenzar esta aventura. El próximo álbum, previsto para principios de 2027, es el verdadero protagonista de una gira que ha decidido invertir el orden habitual de las cosas: primero compartir las canciones en directo y después permitir que encuentren su forma definitiva en un disco.
La propuesta tiene mucho de declaración de principios. Después de publicar «Figurantes» en 2024, la banda decidió detener su actividad y tomarse un tiempo para recuperar fuerzas, alejarse de la dinámica de los escenarios y volver a encontrarse consigo misma. No era una despedida, aunque durante aquel periodo de silencio la incertidumbre sobre su futuro acompañase inevitablemente a muchos seguidores. A principios de 2026 los seis músicos volvieron a reunirse para trabajar en nuevas composiciones y recuperar las sensaciones de tocar juntos. De aquellos encuentros nació un proceso creativo de varios meses que desembocó en este regreso.
La filosofía del proyecto está muy presente en el propio nombre de la gira, Canciones de ida, porque no se trata tanto de regresar al lugar en el que lo habían dejado como de emprender un nuevo viaje. La música vuelve a ocupar el centro, sin necesidad de apoyarse exclusivamente en los recuerdos o en la nostalgia de quienes llevan tantos años acompañándolos. Y esa decisión se hizo evidente desde los primeros minutos del concierto.
El arranque fue toda una declaración de intenciones. Pucho apareció de espaldas al público mientras los músicos se disponían formando un círculo, una imagen que inicialmente podía recordar a una reunión de músicos en un local de ensayo, pero que escondía una propuesta escénica mucho más elaborada. Aquel círculo estaba delimitado por una vía sobre la que circulaba una cámara que iba captando diferentes perspectivas de los integrantes de la banda y trasladándolas al inmenso videowall situado al fondo del escenario. El resultado era espectacular: las imágenes llegaban a las pantallas con una estética y una realización que por momentos parecían propias de una producción cinematográfica, acercándonos a cada músico y permitiéndonos contemplar detalles que, de otra manera, se perderían desde la distancia. Una manera de romper la barrera entre escenario y público desde el primer momento y de convertir aquella disposición circular en mucho más que una decisión estética.
Lejos de buscar una entrada espectacular apoyada en alguno de sus grandes himnos, Vetusta Morla eligió comenzar con «Mi colección de duelos«, una de las composiciones inéditas que formarán parte del próximo álbum. La elección tenía, además, una carga emocional especial: la canción, estrenada precisamente ese mismo viernes, nace de la pérdida de dos figuras fundamentales de nuestra música, Robe Iniesta y Jorge Martínez, y se convierte también en un homenaje a todos aquellos artistas que han dejado una huella en quienes siguen encontrando en las canciones una manera de entender la vida.
La composición habla de ausencias, de recuerdos y de la capacidad de la música para acompañarnos cuando algunas de las personas que nos han servido de referencia dejan de estar. No es una cuestión menor que Vetusta Morla haya decidido abrir su nueva etapa precisamente con una canción que mira hacia quienes ya no están, pero que siguen presentes a través de lo que hicieron. Una manera de recordar que la música también consiste en eso: recoger lo que otros nos han dejado y continuar transmitiéndolo.
Tras ella llegaron «Bailar en Beirut» y «De alguna forma«, completando un primer bloque de tres canciones nuevas que permitió empezar a descubrir por dónde se mueve la banda en esta nueva etapa. El público tenía, además, una pequeña ayuda para adentrarse en este territorio desconocido. A lo largo del día algunos afortunados se habían hecho con un libreto con las letras de las nuevas composiciones que la banda reparte por la ciudades donde gira, así como su envío digital a todos los compradores de las entradas, un detalle que encaja perfectamente con la filosofía de la gira y que invita a participar desde el primer momento en el nacimiento de estas canciones. Pero no era el único recurso pensado para facilitar ese encuentro: todas las nuevas composiciones aparecieron también subtituladas en las pantallas, permitiendo seguir cada palabra y, sobre todo, corearlas sin necesidad de conocerlas previamente. Puede parecer un detalle menor dentro de una producción de semejantes dimensiones, pero tiene mucho sentido: la banda no quería que las canciones nuevas fuesen simplemente escuchadas por primera vez, sino que desde su estreno en directo pudiesen ser compartidas y cantadas por las miles de personas que estaban allí. Una invitación a formar parte del nacimiento de un repertorio que todavía está por descubrir.
Después de ese primer encuentro musical, Pucho se dirigió por primera vez al público con un «Boas noites» que sonó especialmente apropiado para una banda que mantiene una relación tan estrecha con Galicia. El vocalista quiso recordar la última visita a la ciudad, aquel concierto de Riazor de 2024 que todavía permanece en la memoria de los integrantes del grupo. Recordó las perseidas, la playa y una noche que, según sus propias palabras, todavía no habían olvidado. No era un saludo de compromiso ni una referencia introducida para cumplir con el público local. A Coruña forma parte de la historia reciente de Vetusta Morla y la banda quiso dejarlo claro desde el principio.
También hubo espacio para explicar qué les había llevado a regresar después de aquel periodo de descanso. Pucho habló de los dos años en los que habían contemplado cómo el mundo parecía venirse abajo, del desaliento y de la apatía que se habían instalado a su alrededor. Ante esa sensación, decidieron volver a utilizar las mejores herramientas que tienen a su alcance para combatir el tedio y el sinsentido: las canciones. Un discurso que no se quedó en una reflexión genérica, porque durante la noche también hubo reivindicaciones relacionadas con la lucha contra el cambio climático y la liberación de Palestina. Vetusta Morla regresaba con nuevas composiciones, pero también con la intención de seguir utilizando su música y su posición pública para expresar aquello que considera necesario defender.
«Estamos de vuelta», proclamó Pucho. Y entonces sí, llegó el momento de recuperar parte de ese repertorio que ha acompañado a la banda durante tantos años y que ha terminado convirtiéndose en parte de la banda sonora de varias generaciones.
«Si vuelves «fue la primera canción de esta nueva etapa que ya había tenido recorrido discográfico y sirvió de puente entre las composiciones inéditas y un catálogo que el público conoce de memoria. A partir de ahí, el concierto comenzó a crecer en intensidad con «La deriva» y «Golpe maestro«, dos temas que mantienen intacta su capacidad para levantar al público y que demostraron que el tiempo de descanso no había debilitado lo más mínimo la conexión entre la banda y sus seguidores. Con «El hombre del saco» llegó otro de esos viajes a «Mapas«, un álbum que continúa teniendo un peso especial en la trayectoria del grupo y que en el concierto encontró diferentes momentos para reivindicar su vigencia.
La aparición de «No dirás que no«, otra de las canciones inéditas, volvió a recordarnos que estábamos asistiendo a algo diferente. Escuchar por primera vez composiciones de una banda con semejante trayectoria siempre tiene algo de incertidumbre, pero también de privilegio. Todavía no existen recuerdos asociados a ellas, no hay conciertos anteriores a los que recurrir ni una respuesta colectiva que permita anticipar cada estribillo. Todo está por construir. Y, sin embargo, las nuevas canciones fueron encontrando su espacio con bastante naturalidad entre temas que llevan años formando parte del repertorio. Esa convivencia entre lo desconocido y lo familiar es precisamente uno de los grandes aciertos de esta propuesta.
Con «Maldita dulzura» llegó uno de los momentos más reconocibles de la noche. Una canción que ha superado hace tiempo la condición de sencillo para convertirse en una de esas piezas que el público siente como propias. La respuesta del Coliseum fue creciendo y el ambiente comenzó a adquirir esa intensidad que caracteriza los conciertos de Vetusta Morla, donde las letras compartidas y los cambios de dinámica terminan convirtiendo al público en una parte más del espectáculo.
«Finisterre» aportó otro de los momentos de mayor energía, antes de que «Mapas» nos devolviese a uno de los discos fundamentales de su trayectoria. La banda fue alternando así diferentes etapas de su discografía, sin establecer grandes separaciones entre ellas y evitando que el concierto se convirtiese en una sucesión de bloques independientes. Todo parecía formar parte de un mismo recorrido, una conversación entre las canciones que ya conocemos y las que todavía están esperando su momento.
«La presencia de Lo importante» volvió a abrir esa ventana hacia el futuro. Después llegaron «Puñalada trapera» y «La Virgen de La Humanidad«, dos composiciones que representan bien la evolución musical que ha experimentado el grupo durante los últimos años. En esta última, Pucho volvió a demostrar que sigue siendo uno de los grandes protagonistas de cualquier directo de Vetusta Morla. Su manera de ocupar el escenario, la expresividad de sus movimientos y esa capacidad para meterse dentro de cada canción hacen que resulte difícil apartar la mirada de él. No es únicamente una cuestión vocal. Pucho interpreta, se mueve, gesticula y convierte cada composición en una pequeña representación, mientras las cámaras y las pantallas permiten que hasta los detalles más pequeños de su actuación lleguen a todos los rincones del recinto.
A su alrededor, los otros cinco integrantes sostienen una maquinaria musical que va mucho más allá de acompañar al vocalista. Guille Galván, Juanma Latorre, Álvaro B. Baglietto, Jorge González y David «El Indio» García tienen su propio espacio dentro de un espectáculo que busca precisamente poner en valor el trabajo colectivo. Las guitarras, el bajo, los teclados y las percusiones se van entrelazando, dejando momentos para que los instrumentos respiren y adquieran protagonismo. Los interludios musicales y los pasajes instrumentales permiten apreciar la compenetración de una formación que lleva casi tres décadas compartiendo escenarios y que parece haber aprovechado el tiempo de descanso para reencontrarse también desde el punto de vista musical.
«23 de junio» nos trasladó a otro de los territorios emocionales de la banda. Su particular manera de convertir una fecha concreta en una celebración compartida encontró una respuesta especialmente cálida en el Coliseum. Después llegó «Catedrales«, perteneciente a «Figurantes«, un recordatorio de que el periodo anterior al parón también forma parte de este viaje y de que el regreso no supone renunciar a nada de lo construido hasta ahora.
Pero si hubo un momento especialmente intenso en este tramo del concierto fue «Cuarteles de invierno«. La interpretación fue creciendo hasta desembocar en una escena que difícilmente olvidaremos. Al llegar al final del tema, Pucho comenzó a correr en círculos siguiendo el recorrido de la cámara que circulaba por las vías que delimitaban el escenario. Una carrera frenética que terminó convirtiéndose en una diagonal a toda velocidad atravesando el escenario, hasta que tropezó con el pie de micro y cayó aparatosamente sobre las propias vías. Por un instante, todo pareció detenerse, pero Pucho se incorporó rápidamente y, lejos de dejar que el accidente rompiese el ritmo, comenzó a propinar patadas al pie de micro, en un arrebato de furia que encajaba magistralmente con la intensidad de la canción. Lo que había sido una caída inesperada terminó convertido en parte de la propia interpretación, como si también estuviera previsto en aquella descarga de energía. Fue uno de esos momentos imprevisibles que hacen que un concierto se quede contigo, una muestra de la entrega de Pucho y de esa capacidad para transformar cualquier circunstancia en algo irrepetible.
La intensidad continuó con «La vieja escuela» y «Te lo digo a ti», antes de que La caja de los truenos introdujese otro de los cambios importantes de la noche. La disposición circular que había presidido el comienzo del concierto fue terminando de abrirse, modificando la colocación de los músicos y dando paso a una configuración diferente, con la batería y los teclados adelantados y las guitarras y el bajo ocupando posiciones más retrasadas. Era también una manera de visualizar cómo aquel encuentro que había comenzado con la intimidad de seis músicos compartiendo un espacio terminaba convirtiéndose en un espectáculo de grandes dimensiones.
La puesta en escena fue uno de los grandes protagonistas de la noche. El exquisito montaje, una producción audiovisual de primer nivel, un sonido sencillamente soberbio y un espectacular juego de luces construyeron un espectáculo de dimensiones enormes, de esos que uno podría imaginar en cualquier gran producción internacional de Las Vegas. Todo estaba cuidado hasta el último detalle, con una realización visual que acompañaba a la música sin competir con ella y que encontraba en el inmenso videowall un aliado fundamental. La cámara recorría la vía circular, se acercaba a los músicos y ofrecía perspectivas diferentes, mientras la iluminación iba transformando por completo el espacio según avanzaban las canciones. Sin embargo, lo más curioso de todo era la sensación que conseguía transmitir el conjunto: pese a encontrarnos en un recinto con alrededor de 8.000 personas, había momentos en los que parecía que estábamos viviendo algo íntimo, casi privado, como si la banda estuviese tocando para unos pocos privilegiados. Una experiencia difícil de reproducir y que demuestra hasta qué punto una gran producción no tiene por qué estar reñida con la cercanía.
Los juegos de luces y las imágenes que iban apareciendo en las pantallas acompañaron los diferentes estados de ánimo del repertorio, mientras los interludios instrumentales daban tiempo para que cada integrante encontrase su espacio. Especialmente llamativo fue el trabajo conjunto de los músicos en «La cuadratura del círculo«, que tuvo uno de los grandes momentos instrumentales de la noche con un espectacular duelo de baterías. Una demostración de coordinación y complicidad que permitió comprobar hasta qué punto la banda sigue disfrutando de esos momentos en los que la música puede prescindir de las palabras y hablar directamente a través de los instrumentos.
«Valiente» terminó de elevar la temperatura del Coliseum. Es uno de esos temas que parecen destinados a permanecer siempre en el repertorio y que conservan intacta su capacidad para provocar una respuesta inmediata. A esas alturas, el público llevaba mucho tiempo entregado y las ganas acumuladas durante los dos años de ausencia se habían transformado en una celebración compartida. La banda parecía disfrutar de cada minuto y el público respondía con la misma intensidad, demostrando que el vínculo construido durante tantos años no necesita demasiadas explicaciones.
Llegó entonces el turno de «El Campo Del Violín«, otra de las composiciones inéditas que formarán parte del próximo trabajo y que permitió seguir descubriendo las diferentes direcciones musicales que está explorando Vetusta Morla. La presencia de estas canciones en el tramo final del concierto confirma que no son un simple complemento para justificar el nombre de la gira. Forman parte esencial del relato y tienen el mismo peso que cualquiera de los temas más reconocibles.
Antes de encarar la recta final, la banda volvió a agradecer la respuesta del público gallego y la presencia de seguidores llegados desde otros lugares, con menciones a Asturias, León y Portugal. Una muestra más de que las dos noches en A Coruña habían conseguido reunir a personas de diferentes procedencias alrededor de una misma pasión.
Y entonces llegaron tres canciones que difícilmente podían faltar en una despedida de un concierto de Vetusta. Primero «Consejo de sabios» recuperó esa mezcla de intensidad y emoción que caracteriza buena parte del repertorio más reciente de la banda. Después, los primeros acordes de «Copenhague» hicieron que el Coliseum volviese a convertirse en una única voz. Pocas canciones representan tan bien la relación de Vetusta Morla con su público como esta. Han pasado muchos años desde que apareció en Un día en el mundo y, sin embargo, conserva intacta esa capacidad para conectar con quienes la escuchan, independientemente del momento vital en el que se encuentren.
Para cerrar, «Los días raros«. Una elección que parecía inevitable y que terminó convirtiéndose en uno de los momentos más especiales de la noche. La canción fue creciendo poco a poco, con el público acompañando cada una de sus partes hasta desembocar en una coda vocal prolongada, de esas que parecen no querer terminar nunca. Una despedida que no necesitaba demasiados artificios, porque todo lo importante está sucediendo entre el escenario y las gradas.
Más de dos horas después de comenzar, Vetusta Morla ponía punto final a su primer encuentro coruñés de esta gira. El sábado volverían a repetir la experiencia en el mismo escenario, pero la primera noche ya había dejado claro que el regreso no era una simple operación de nostalgia ni una manera de recuperar el tiempo perdido. Hay nuevas canciones, nuevas ideas y una banda que parece tener muchas ganas de volver a compartir todo aquello que ha estado construyendo durante su ausencia.
Quizá esa sea la mejor manera de entender Gira de vuelta. Canciones de ida. No volver para hacer exactamente lo mismo, sino regresar para seguir avanzando. Para recuperar la complicidad de tocar juntos, para reencontrarse con quienes han acompañado el camino durante tantos años y para recordar que una canción no termina cuando se graba, ni siquiera cuando se interpreta por primera vez. Empieza a tener vida propia cuando alguien la escucha, la hace suya y la incorpora a sus propios recuerdos.
A Coruña volvió a demostrar que mantiene una relación muy especial con Vetusta. Y esta vez tuvo el privilegio de ser una de las pocas paradas de un regreso muy esperado, además de la única oportunidad de disfrutar de la banda en Galicia durante 2026.
Vetusta Morla se ha tomado su tiempo, ha vuelto a reunirse, ha compuesto, ha ensayado y ha decidido regresar cuando ha sentido que tenía algo nuevo que compartir. Y eso, en una industria que tantas veces parece funcionar a golpe de calendario y de lanzamientos constantes, también tiene su valor.
El viernes no asistimos solamente al regreso de una de las bandas fundamentales de nuestra música. Asistimos al comienzo de una nueva etapa, con todo lo que eso implica de incertidumbre, descubrimiento y expectativas. Una etapa que empezó en A Coruña con tres canciones inéditas y terminó con miles de personas cantando Los días raros. Quizá no haya una manera más bonita de explicar por qué merece la pena volver a encontrarse.
